Photographier des intérieurs d’exception

Utiliser la lumière disponible pour révéler le caractère d’un lieu

Les hôtels de luxe privilégient souvent un éclairage d’ambiance plutôt qu’une lumière vive et directe. Il est donc préférable de composer avec la lumière existante afin de restituer le caractère réel de l’espace, notamment lorsqu’elle met en valeur les textures et les éléments architecturaux. Même en basse lumière, un réglage minutieux de l’exposition et une prise de vue au format RAW vous permettront de restituer l’atmosphère des lieux. Au restaurant Taiko du Mandarin Oriental Conservatorium, la lumière déclinait déjà avant le service du dîner. Pour préserver l’atmosphère du lieu, j’ai choisi une vitesse d’obturation plus lente et gardé la sensibilité (ISO) aussi basse que possible, en stabilisant l’appareil sur la table. Je voulais que l’image restitue les différentes sources de lumière ambiante, mais aussi la lumière naturelle qui entrait par la fenêtre à droite, avec l’impression d’être soi-même assis dans la scène. J’ai donc augmenté l’exposition de +2,0, débouché les ombres et relevé la température de couleur pour créer une atmosphère plus chaleureuse.

Plus tard, au bar, j’ai voulu mettre en valeur les hauts plafonds et les murs. Avec une lumière provenant essentiellement de l’arrière du bar, la scène se prêtait parfaitement au travail des silhouettes. Je n’ai donc que très légèrement réduit les hautes lumières. Selon moi, une lumière plus limitée peut parfois donner un meilleur résultat.

Le conseil des pros : l’idée est d’obtenir une base aussi juste que possible dès la prise de vue, puis d’utiliser le post-traitement pour sublimer ce qui existe déjà : ajuster la température de couleur, adoucir les hautes lumières ou faire ressortir les détails dans les ombres, afin de préserver un rendu final naturel, sans impression de retouche excessive.

Ancrer les détails dans leur environnement

Même lorsque vous photographiez certains détails, il est utile de tenir compte de leur environnement immédiat. En laissant apparaître un peu de contexte, vous donnez plus d’atmosphère à l’image et révélez pleinement l’histoire du lieu. Dans le hall de l’hôtel, une installation composée de violons, réalisée par l’architecte d’intérieur Piero Lissoni, est suspendue au plafond tel un lustre, un clin d’œil aux racines culturelles du quartier. C’était une partie sombre de l’espace, j’ai donc augmenté la sensibilité (ISO) et utilisé une vitesse d’obturation plus rapide pour tenir compte de la légère brise qui faisait bouger les violons. Je souhaitais faire ressortir les hautes lumières tout en préservant une lecture du lieu. J’ai donc veillé à ce que l’identité visuelle de l’hôtel reste visible, puis j’ai volontairement laissé les violons sortir de la zone de netteté grâce à une grande ouverture, mais pas au point qu’ils deviennent impossibles à identifier.

Pour ce projet, je voulais composer une série d’images variée, alternant plans larges, cadrages intermédiaires et détails. En découvrant le sol en mosaïque près de l’entrée, j’ai tout de suite su que ce détail méritait d’être mis en image. La lumière vive entrant par la droite et les mouvements liés aux portes voisines m’ont conduit à utiliser une vitesse d’obturation plus rapide afin de préserver une netteté optimale. Les meilleures images axées sur les détails ne doivent pas seulement être esthétiques : elles doivent aider à transmettre le raffinement et le caractère de l’intérieur.

Le conseil des pros : chaque détail dans le cadre doit avoir sa raison d’être. S’il n’ajoute ni beauté, ni contexte, ni atmosphère à l’image, mieux vaut souvent l’écarter ou repenser la composition.

Utiliser l’architecture pour guider le regard

Les hôtels de luxe se caractérisent souvent par des courbes élégantes, des lignes épurées et des éléments architecturaux qui peuvent servir de cadres naturels, renforçant ainsi la composition tout en guidant le regard. Un salon photographié seul, par exemple, peut manquer de force narrative. Mais en le cadrant à travers une porte, ou en vous appuyant sur le mobilier et les éléments qui l’entourent pour composer la scène, vous lui donnez davantage de profondeur, de contexte et de présence. Ici, j’ai photographié le salon depuis la salle de bains, ce qui m’a permis d’obtenir un angle de vue plus intéressant. La lumière naturelle affluait par les fenêtres à gauche. Je m’en suis servi pour composer l’image, en allumant les lampes pour ajouter une touche de chaleur et d’atmosphère. Je voulais conserver assez de profondeur de champ pour que la scène reste cohérente et que tous les éléments du cadre dialoguent entre eux.

Le conseil des pros : Le NIKKOR Z 70-180mm f/2.8 a été particulièrement utile dans cette situation, car il m’a permis de faire ressortir certains éléments de la suite depuis un point de vue plus éloigné, tout en conservant une atmosphère intimiste dans le cadre.

Créer une ambiance grâce aux jeux d’ombre et de lumière

Au Mandarin Oriental Conservatorium, plusieurs horloges anciennes ponctuent les différents espaces de l’établissement. Je voulais trouver une manière originale de les mettre en valeur. Les arches de la cage d’escalier m’ont permis de dessiner un cadre autour de cette horloge, tout en jouant sur un contraste naturel entre ombre et lumière. Pour ce faire, j’ai opté pour une vitesse d’obturation plus lente plutôt que d’augmenter encore la sensibilité (ISO), et j’ai appliqué une correction de l’exposition de +1,0 afin d’éclaircir la scène et de faire ressortir davantage de détails dans les zones sombres, tout en préservant l’éclat naturel du lieu.

Plus tard, j’ai été vraiment captivé par la lumière qui filtrait à travers un vitrail dans l’une des cages d’escalier. Comme il y avait très peu de lumière ambiante dans l’espace, j’ai voulu en profiter pour jouer sur le contraste entre la lumière et l’obscurité, tout en mettant en valeur les courbes de l’architecture. Pour y parvenir, j’ai ouvert davantage le diaphragme et appliqué une correction de l’exposition de +1,7 afin de déboucher les ombres. Cela montre l’intérêt de travailler avec la lumière disponible : même à 6400 ISO, le Z 8 a conservé d’excellentes performances.

Le conseil des pros : Photographier au format RAW offre de nombreuses possibilités, les ombres recèlent souvent des détails que l’on peut faire ressortir en post-traitement. Ainsi, un espace qui paraît dans un premier temps trop sombre peut encore révéler une vraie richesse visuelle.

Rechercher des angles moins conventionnels pour sortir de l’ordinaire

La vue frontale, à hauteur des yeux, depuis un encadrement de porte, est une solution facile. C’est généralement la première image que tout le monde réalise. Faites-la si elle vous est utile, puis passez à autre chose et poursuivez votre recherche afin de trouver un point de vue plus original. Par exemple, en me promenant dans l’hôtel, je suis tombé sur une cage d’escalier assez sombre dotée d’un escalier en fer forgé magnifiquement ouvragé. J’ai utilisé la lumière ambiante et réduit la vitesse d’obturation. Si je devais la refaire, j’irais peut-être jusqu’à attendre qu’un pied en mouvement, légèrement flou, vienne traverser le cadre.

Travailler avec un zoom offre une plus grande souplesse pour composer ce type d’image. Avec le NIKKOR Z 24-70mm f/2.8 S, j’ai ainsi pu réaliser de nombreuses compositions intéressantes, depuis des angles inhabituels, dans l’hôtel et à ses abords, et photographier notamment l’ombre d’un encadrement de fenêtre qui venait se poser parfaitement au bas d’un mur de faïence peint à la main. J’ai d’ailleurs constaté que cet objectif offrait de très bonnes performances dans pratiquement toutes les situations, avec en plus une réactivité remarquable.

Le conseil des pros : Utilisez l’écran orientable de votre appareil photo pour réaliser des compositions parfaites, que ce soit en contre-plongée ou en plongée.

Les cinq conseils de Matt pour photographier des intérieurs somptueux :

1. Commencez par explorer l’espace et essayez de repérer les endroits qui vous interpellent. Si un endroit attire spontanément votre regard, il y a de fortes chances qu’il puisse donner lieu à une image intéressante.
2. En matière de focale, une règle générale consiste à utiliser environ 17 mm pour une vue d’ensemble, 50 mm pour un cadrage intermédiaire de type « vignette », et 100 mm pour isoler les détails. Ces focales permettent d’obtenir une bonne variété de cadrages.
3. L’une des plus grosses erreurs que l’on commet souvent lorsqu’on photographie des intérieurs, c’est d’essayer de tout faire tenir dans une seule image au grand-angle. En se rapprochant, l’image paraît souvent bien plus réfléchie.
4. Faites preuve d’un maximum de discrétion, car il est essentiel de ne pas perturber les clients ni d’altérer leur expérience. L’objectif est de vous fondre dans l’environnement et de travailler avec suffisamment de subtilité pour que les clients ne remarquent pas votre présence.
5. Pour vous exercer, commencez par photographier des espaces familiers, comme les maisons de vos amis, des bars et restaurants locaux ou une église. Vous pourrez ainsi enrichir progressivement votre portfolio, tout en apprenant à identifier les détails importants et à exploiter la lumière disponible.